Artisti "intrecciati" intrecciano bellezza, memoria, storia nell'arte tessile e in fibra

Questa storia è stata originariamente pubblicata da ArtsATL.

"Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art", al Marietta Cobb Museum of Art fino al 4 giugno, è l'ultima delle presentazioni della curatrice del museo Madeline Beck di prospettive non convenzionali ed esteticamente accattivanti sui generi tradizionali - che sembrano svilupparsi come la sua firma stile. Come nelle mostre precedenti, utilizza principalmente opere di artisti dell'area metropolitana e, come sempre, Beck ha prestato particolare attenzione alla diversità di ogni tipo, inclusa l'estetica.

Sebbene i metodi e i materiali tradizionali dell'arte tessile e delle fibre siano presenti ovunque, sono combinati con un numero qualsiasi di materiali non tradizionali, o composti quasi interamente da essi, come nel caso di "Sigh", la scultura a forma di cesto di Sally C. Garner del 2021 tessuto da tubi respiratori medici.

Garner utilizza la tessitura in un'ampia varietà di modi non convenzionali. In "Altered Timelines No. 4, Jade" (2022), lega insieme stuzzicadenti di bambù in un tessuto flessibile basato sull'idea di sciogliere i raggi di un cestino. "Droplet in Time" (2022) utilizza strisce tessute da stampe cianotipiche.

Ali O'Leary incorpora anche la fotografia nei media artigianali, sovrapponendo ricami di cotone a fotografie di raso trapuntato. I risultati di questo metodo sono opere d’arte meravigliose ma cariche di teoria. Un esempio è "Presence" (2021), in cui la parola nel titolo appare e scompare sotto un'immagine di oceano e cielo, un effetto lenticolare che dipende dall'angolazione da cui la si osserva.

Credito: per gentile concessione di Susan Lenz

Credito: per gentile concessione di Susan Lenz

Questi processi imprevisti sono sovversioni abbastanza semplici dei tessuti consueti se confrontati con altri contributi come la cucitura a mano di Susan Lenz su frammenti di trapunte vintage che unisce tutti i tipi di oggetti di tutti i giorni ugualmente vintage in mandala a cerchi concentrici. Taxi giocattolo, coperchi per spezie e adattatori per dischi 45 giri sono una piccola parte della varietà di oggetti incorporati in queste indagini sulla storia e sulla memoria.

Nelle sue sorprendenti combinazioni di texture e colore nelle pareti, Gabrielle Torres utilizza tessuti strappati da jeans, bottiglie di vetro e capelli sintetici, ma aggiunge piante viventi come l'edera inglese; sarà mantenuto in vita per tutta la mostra man mano che le parti appassiscono o si abbassano.

Credito: per gentile concessione di Gabrielle Torres

Credito: per gentile concessione di Gabrielle Torres

Come per tutte le altre opere d'arte presenti in questa mostra, l'effetto è esteticamente accattivante e intrigante a livello concettuale e pratico: cosa c'entra dietro trasformazioni così inaspettate dei processi tradizionali? La curiosità su questa domanda è probabilmente un aspetto importante della mostra per il pubblico che non ha familiarità con le pratiche dell’arte tessile contemporanea.

Credito: per gentile concessione di Sonya Yong James

Credito: per gentile concessione di Sonya Yong James

Nel contesto disorientante di questa mostra, anche la relativa comodità delle stampe a sublimazione di Rose M. Barron su stendardi di seta, raffiguranti donne che indossano abiti fluenti immerse nell'acqua corrente, può sembrare sconcertante. Lo stesso vale ancora di più per "Spirit Is a Bone" (2020) di Sonya Yong James, inizialmente dall'aspetto familiare e che riempie le pareti, che intreccia lenzuola vintage filate a mano e denti di coyote, ossa di corvo e ceneri di cane per creare un avvincente meditazione sulla storia e sulla mortalità.

Il trauma emerge come un sottotema coerente, spesso in modi inaspettati, come nei body di Nicole Benner realizzati all'uncinetto con filo di rame, un disagio letterale simbolico di una vita vissuta nel dolore fisico cronico.

Alcune delle sculture di figure di Jess Self realizzate con lana agugliata sono poste in posizioni che riflettono la risposta ai traumi passati, ma "Wholeness" (2021) ha una varietà di tessuti color crema che coprono una versione con struttura metallica del suo corpo, con una pila di tessuto sciolto ai suoi piedi, a simboleggiare il processo di raggiungimento della completezza che Carl Jung vedeva come l'unificazione del conscio e dell'inconscio.

Hannah Ehrlich si avvicina alla coscienza e all'oscurità interiore attraverso un metodo molto diverso. I suoi arazzi ormai familiari continuano la loro esplorazione del caos e dell'ordine nella vita emotiva in pezzi come "lividi dal conoscerti, ho imparato a sapere che sono belli" del 2023.